#13 Melissa Vázquez

La zona gris de la infancia. Melissa Vázquez

In my paintings, I work to create the feeling of a diorama.I make the picture look like it is an illusion of an actual scene, like a real figure with a fake backdrop. Our world- the earthly existence we live in- is an illusion, like a diorama. Quantum theory states an uncertainty about our physical world. In essence, it says we cannot tell with absolute certainty the solidity of things in our universe.

Mark Ryden

En la obra pictórica de Melissa la temática central es la infancia. Y no solo en el sentido que encontramos en sus pinturas imágenes de niños, sino por la creación de universos de una mente quizás infantil que plasma los elementos a veces de una forma seudobiográfica,  a veces de forma introspectiva y otras más de forma onírica.

Que fuerte es el tema de la infancia y que gran recurso expresivo puede llegar a ser… Los niños rondan la obra de varios geniales artistas; Helnwein Gottfried, el siniestro Henry Darger con sus tétricas pero fascinantes ilustraciones, y más soft Mark Ryden, icono del lowbrow emergido a inicios de los setentas, donde se hacen notables valores en plástica que no eran característicos del  arte culto para entonces, como la imaginación pública, la nostalgia y la estética pura; en donde el concepto de kitsch solo raya en arquetipos de moda. Donde artistas como Ryden abrieron tardíamente una brecha para un tipo de arte con pretensiones honestas, en busca de alejarse del elitismo y que más tarde paradójicamente terminaría formando parte de las colecciones más importantes del mundo.

Es inevitable notar que el trabajo de Melissa tiene mucho que ver con estas manifestaciones; por lo menos en su forma; tal vez menos recargado en los detalles y elementos pero también más íntimo -los niños de sus pinturas se encuentran en ambientes surrealistas, a veces en atmósferas sombrías y melancólicas, otros solo sueñan con dulces, chocolates y caramelos, derrochando miel hasta casi lastimar los ojos- el universo de la infancia es basto y fascinante, tiene un simbolismo que va desde la nobleza hasta la crueldad, la aberración o la violencia, como símbolos de la moustruosidad del mundo, la degeneración y la degradación de la pureza.

El trabajo de Melissa aun en estos días  me genera mucha admiración, no sólo por los visibles logros técnicos, cada vez más pulidos, más elaborados, más trabajados y minuciosos, sino porque sus retratos logran reflejar una cualidad que quizás no siempre sean tan evidente o notable en un primer vistazo, cualidad que logra rebasar el frío aire decorativo que recurrentemente se encuentra en la pintura hiperrealista. Y aunque la pintura es el fuerte de Melissa, también es destacable la facilidad con la que se desempeña sobresalientemente en el diseño, la ilustración digital, la escultura o la instalación, cuidando conservar su dulce estilo pop y mucha de soltura creativa. Nunca me cansaré de ver los retratos de los niños que deambulan por esa zona gris.

Lo que sucede con el dominio de la técnica, cuando por naturaleza se da, es que la mayoría de las veces solo se necesita ampliar el panorama para lograr consolidar una propuesta que valga la pena presentar/observar. Para Melissa ese panorama tiene mucho que ver con los conocimientos que fuimos adquiriendo en la universidad y que en su caso nutrió las inquietudes, las ansias por mostrar unas imágenes agridulces -plenas de atmósferas pop surrealistas- y sintonizar con estrategias como las del lowbrow por ejemplo. Lo que pasa con Melissa es que su trabajo es parte de un fenómeno que viene a demostrar como las posibilidades de la pintura pueden seguir conmoviendo, tal vez en relación con la moda y los gustos de la época, pero con gran riqueza y versatilidad visceral.

Adriana Mejía Rangel[1]

[1]Licenciada en Artes Visuales por la UMSNH. Actualmente estudia la Maestría en artes especialidad en lenguajes del arte contemporáneo en la Universidad de Guanajuato.

 

 

Para ver más cosas que Melissa ha hecho y estar al tanto de lo que hará da click aquí.

 

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#12 Dezck & Rie

DEZCK

RIE

                        “Cuando la gente me pregunta: ¿Cuándo empezasteis a dibujar?

Yo les respondo: ¿Cuándo  habéis dejado vosotros de dibujar? ”.

Puño.

No sé donde nacieron, pero son de ahí, ahí están y ahí trabajan. Los muros de Zitácuaro son de ellos, doblas por aquí o por allá al azar y si caminas las cuadras suficientes seguro encuentras algo de Desck, Rie, Afro, Rata o Porno. En la noche se juntan en la plaza y de verdad es agradable estar ahí, se siente tan bien como subirte al vocho de uno de ellos después de terminar la entrevista y que pongan rap fuerte mientras recorres las calles de una ciudad desconocida.

Yo sé que no son ingenuos pero transmiten felicidad y armonía caótica, y eso parece cosa de niños. Son cinco personas con personalidades fuertes e independientes  que trabajan juntos desde hace mucho tiempo y sin embargo mantienen la identidad e independencia, sus trazos no se mimetizan entre ellos. En un solo muro de Zitácuaro pueden convivir monstruos de cinco creadores distintos.

Yo he estado en la escuela de Bellas Artes por casi cuatro años y realmente es muy difícil ver crear a cinco personas juntas sin que nadie los obligue, ni hablar de compartir la superficie. Ellos lo hacen a cada rato y por todos lados, conviviendo con la ciudad. Los niños pueden hacerlo sin tanta bronca pero esa es una de las cosas que se pierde cuando creces, es como crecer conservando las cosas buenas de la infancia.

En esa ocasión solo hablamos con Desk y Rie, con Marco ya habíamos platicado, el Porno andaba trabajando y llegó tarde, Rata duró cociendo frijoles todo el día y no lo alcanzamos a ver. De todas maneras hablan mucho de él y es casi como si lo hubiéramos conocido. Nos faltó platicar con ellos dos pero seguro habrá ocasión. El viaje a Zitácuaro fue un poco como entrar en una nostalgia ajena. Si nos invitan seguro volvemos a ir. A parte hay unas tortas de dieciocho pesos que están bien buenas.

Eduardo Gabriel Andrade Espinosa. 2013

Para seguirlos da click acá:

DEZCK

RIE

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#11 Pablo Querea

El Pablo.

Pablo se mordía la lengua ansiosamente mientras buscaba gasolina para echarle a una cucaracha medio muerta que estaba bajo el umbral de la puerta de mi cuarto. Cuando la encontró se le fueron las ansias y se concentró. Un chorrito, un cerillazo y una expresión seria con mirada brillante mientras se consumía la cucaracha, luego siguió haciendo sus cosas.

Viví con él poco más de un año y puedo decir que dibuja con la misma actitud. Entre la tinta y el papel crea un lugar para experimentar sin censura con extraños ejemplares de la especie humana. El sentido de estos experimentos varía según la ocasión.

A veces critica el narco porque es el bicentenario y ha decidido ganarse un premio. Luego dibuja personitas para burlarse de ellas entre carcajadas e irónicas frases de compasión, les pone nombres como Jack, Ernie, Otto o Pantaloncillos. Después están los tiempos de Bacon donde se concentra en afilar el horror en el papel. En los últimos cuatro años su producción ha tomado muchas direcciones y tal vez las siga tomando, aún así permanecen algunas constantes, como el cuidado obsesivo de las técnicas que emplea y la exhaustiva búsqueda de posibilidades plásticas en la corrupción del rostro humano.

En esta exposición, que es de la última serie, nos muestra a personas que parecen importantes y poderosas creando violencia a partir de la palabra. La imagen de personajes que se abrazan diplomáticamente en medio de amabilidad y cortesía es desenmascarada para profundizar en la idea del hombre poderoso como figura salvaje que mientras sonríe puede también estar pelando los dientes como fiera que defiende su territorio. Nos habla de una hipocresía que genera estragos en las especies débiles pero también en la imagen que proyecta el ser humano para sí mismo, una imagen incompleta por amable y dañina por complaciente. Hoy vemos estás escenas de hipocresía desgarradas por la misma curiosidad que arrojó el cerillo sobre la cucaracha empapada de gasolina.

Gabriel Andrade Espinosa, 2012.

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#10 Cristóbal Tavera

Siempre Primavera, XV años de gráfica

Omar Gasca

Del texto publicado en Performance No. 155  “30 años de la Galería AP”

Nada que ver la de Tavera –y que bueno- con aquel poema de José María Valverde que reza “hoy vuelves como siempre, primavera, / cuando a tu luz ya había renunciado / y el corazón está desconcertado / por este nuevo gozo que le altera” (Tavera-primavera-altera: rimas consonantes involuntarias); nada, ni con la pésima canción “Always spring”, del álbum Forever Today del grupo I´m from Barcelona. Pero sí con la idea de renovar, de recrear, de abrirse de nuevo, especialmente si pensamos que este artista atraviesa la estampa japonesa, el grabado en metal, el grabado en madera, el chine collé, la litografía y algo más para llegar a la imagen digital y a cualquier cantidad de híbridos, todos con las hechuras propias de un artista con talento que confía en éste tanto como en la investigación y en una práctica continuada que toma prestadas de aquí y de allá, para quedárselas, nociones e informaciones que alimentan su intuición y su oficio.

Ya de muy atrás, Tavera revelaba signos que acusan esa clase de agudeza a la que se refiere Ambrose Bierce cuando dice que las prerrogativas del genio son “saber sin haber aprendido; extraer conclusiones justas de premisas ignoradas; discernir el alma de las cosas”.

Intuición, sensibilidad, inteligencia, capacidad de síntesis y visión profunda han caracterizado la obra de este todavía joven moreliano, antes, durante y después de su estancia en la escuela. Efectivamente, las clases le sirvieron para hacerse de oficio pero más para certificarlo, por que siempre fue de los que traen lo suyo: la música por dentro, la escalera grande y la chiquita y, sobre todo, una vocación, un gusto creciente por el trabajo. Y algo que para no exagerar llamaríamos clarividencia, acompañada por cierto de sagacidad, de perspicacia. ¿Qué catálogos, qué exposiciones, qué imágenes había visto cuando sus tempraneros grabados se identificaban con las tendencias más apreciables de mediados de los noventa? No era necesario por que este Cristóbal (no, no el que descubrió América) actuaba como un ser premonitorio, capaz de pre-ver, y no precisamente las formas, los estilos que estarían de moda, sino las nuevas maneras de decir, especialmente a través de la gráfica y la pintura. A diferencia de otros, de otros muchos, no siguió los cómodos y fáciles y oportunos caminos de las estéticas dominantes, ni los modos de hacer que finalmente devienen en recetas.

¿Qué decir entonces de esta muestra reciente? ¿Qué de la niña con la mochila o la ballena o el alacrán o estas y esas técnicas mixtas? Sólo que ahora sí hay que ver. Pero también con el ánimo de reflexionar acerca de los alcances de quien trabaja, de quien se forma para hacerlo, de quien posee las claves del qué y el cómo. También, ver la suma, el todo, porque expresa lo que en este caso sí es trayectoria, es decir, no sólo la idea de recorrido, de itinerario, de lustros o décadas de hacer, sino de avance.

Pueden conocer más de él en este enlace.

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#09 Marco Antonio Sánchez Ávila.

“(…)pero cuando estas metido en el rap no hay marcha atrás
no puedes ser normal ni adaptarte
en un entorno en el que se respira odio
yo os odio.”

Chojin, “Seguiremos dando Hip Hop”

A Marco no lo conocíamos salvo porque sabíamos que es amigo de unos amigos y porque una vez encontramos un grabado genial de unas mandíbulas secándose en el taller de la escuela. Y lo ubicábamos de vista y todo, pero hasta ahí. La verdad me sorprendí porque si lo imaginaba sencillo pero no tanto, sobre todo para ser creador y tener reconocimiento. Entrar en la escuela de artes visuales e ir conociendo las cosas que se hacen en el mundo puede ocasionar cierto olvido respecto al origen de nuestro gusto por la creación, simular a los grandes en ocasiones nos quita sinceridad y auto-respeto. A Marco no le pasa eso, su gusto por la creación tiene conexión directa y sin trampas con su niñez y adolescencia. Se le nota una integridad que traspasa el crecimiento, y eso no es fácil. Yo encuentro explicación de ello en el espíritu del “crew”. El “Afro”, como le dicen sus compas, no se desarrolló como otros dibujantes que lo hacen en el rincón, al fondo del salón, ni a escondidas, ni para escapar de nada. Se desarrolló junto a su crew en Zitácuaro bajo los ideales del Hip Hop útil: la honestidad, el respeto a los demás y el auto-respeto, la lealtad a los compas. Sabe que en esas cosas no hay marcha atrás.

Marco es ante todo un dibujante, es dueño de una linea particular que se manifiesta fácilmente a través del spray o de la brocha sobre los muros urbanos o rurales, pero igual de fácil se desarrolla en el barniz sobre la placa, o en su libreta acompañante de viajes con acuarelas o lapices. Con una riqueza fantástica en la forma puede crear retratos, animales o fragmentos de figuras humanas. El asunto de la figura humana es bastante notable porque hay mutilaciones, deformidades y enfermedades pero claramente no hay dolor, incluso varios de sus personajes sonríen, hay alguno que permanece tranquilos mientras sus parpados se convierten en terribles dentaduras que dan a luz nuevos engendros que al crecer aceptarán tranquilos su naturaleza deforme y portaran ropa juvenil y cool como sus padres. Incluso se podría afirmar que los personajes son sus compas, compas que están cotorreando y jugando con todo, los personajes no sufren porque no están realmente enfermos, son parte de un juego y están consientes de ello.

Su herramienta principal del juego gráfico, según sus propias palabras, es el tiempo y sus consecuencías visibles, principalmente el desgaste, y la invasión orgánica. Pertenece a ese tipo de creadores que recolectan, seleccionan y experimentan con texturas y sensaciones, sus obras no son aisladas, pertenecen a pequeños grupos, el grupo de las manos que parece que tiran barrio, el de la elephonteasis, el de cráneos etc. Pero afortunadamente no apuntan a convertirse en un gran estilo, más bien en una constante experimentación lúdica donde los temas y las formas van y vienen pero permanece la honestidad y el auto-respeto.

Gabriel Andrade Espinosa. 2012

Para seguir la produccion de Marco denlé aquí.

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#08 Melina Lopez

“hay que sentir lo que se hace; el momento siempre dictamina mi obra”
André Kertész

Hace poco más de tres años conocí a Melina dentro del Taller de grabado de Bellas Artes; a lo largo de éste tiempo el trabajo de Mel ha experimentado una transformación paulatina al utilizar diversos recursos técnicos como consecuencia sí, de los distintos contenidos de las asignaturas de esta escuela, pero sobre todo como resultado de una búsqueda personal, consciente o no, alrededor de un modo de hacer acorde a sus necesidades expresivas y a su circunstancia espacial y temporal.

Y no cabe duda que es en la fotografía en donde Mel ha encontrado, por ahora, un vehículo-plataforma con el cual explora, procesa, entiende y exterioriza la suma de incógnitas, intuiciones y certezas que la conforman.

Podríamos “ponernos a la moda” construyendo un andamiaje conceptual alrededor del trabajo de Melina utilizando un sinnúmero de artificios demagógicos a partir de un número igual de hipótesis conceptuales retóricas y proposiciones estéticas y filosóficas, pero no es el caso, sobre todo en éste caso en que las imágenes y el proceso creativo a discusión es antes que nada, en su conjunto, un trabajo verdaderamente honesto y sin pretensiones, producto de un tenaz análisis introspectivo, a veces hasta doloroso, y una observación reiterada de su entorno: de su entorno físico, Tacámbaro, su casa o su propio cuerpo; de su entorno filial, su familia, sus amigos y enemigos, su pasado; y de su entorno anímico y espiritual, sus deseos, sus fobias, sus amores y desamores, sus sueños…

…y como todo trabajo honesto, producto de la realidad, provocará ecos y resonancias emotivas en los habitantes de éste mismo espacio; más aún en aquellos “iniciados” en el mundo de las imágenes en los cuales además despertará, o debería despertar, una serie de procesos cognitivos y semánticos sobre todo si se tiene conciencia (y no necesariamente memoria) del trabajo de grandes autores como Hans Bellmer, Diane Arbus o André Kertész; o de otros más cercanos como Alva Bernardine, Antonine d´agata, Lissa Rivera, Julia Fullerton-Baten, Cui Xiuwen o el muy querido, y odiado también, Nazif Topcuoglu, entre otros, y sólo entre otros.

…y por qué no decirlo, felicidades a ti Mel, y a todos los que se han portado y portarán serios, pues este tipo de proyectos desinteresadamente interesantes dotan de cohesión y fortaleza a este minimizado y empobrecido ámbito al que pertenecemos, a la tripulación de un Barco Ebrio, dotado de una brújula descompuesta que cuando apunta hacia algún lado siempre registra un Norte equivocado que nunca reconoce nuestra propia riqueza y particularidades; las de la Periferia.

Cristóbal Tavera Mendoza, 2012.

En la cuenta de flickr de Melina hay muchisimas más imagenes, compruébenlo aquí.

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#07 Francisco Javier Zúñiga.

 

 

FUCKED UP LAPTOP – //MUAMAR´S LOVE// from simulacra on Vimeo.

[Kryone & Harry Caine] – Wild Youth / Hip Hop Game from PIR▲.MD Records on Vimeo.

AREA DE BROCA – V from simulacra on Vimeo.

WORMS from simulacra on Vimeo.

VIVIR EN EL ERROR

Cesar Arceo

Morelia México / Septiembre 2012

Larry Shiner habla de una invención del arte. Hace una autopsia a tremendo cadáver y entre vísceras, sangre y fluidos entrega un reporte. El arte ha sido un encargo elitista, una redención hedonista y un movimiento contestatario. Harold Rosenberg por su parte se limita a señalar las cualidades de la supremacía en nuestros híbridos tiempos, la novedad, según él, es el valor por excelencia.  En una época en donde la superabundancia de imágenes es un hecho innegable, es difícil tener un filtro entre el flujo incesante. Sin duda alguna, siguen las imágenes por encargo, indudablemente la redención hedonista está ahí, pero pocas veces podemos ver muestras genuinamente contestatarias, con menor frecuencia nos encontramos con la novedad. Francisco Zuñiga, ha desarrollado bajo el nombre de SIMULACRA su propia lucha frente a este panorama. Contestatario, porque trabaja con conceptos que no se permiten en la cotidianidad como el error. Ese fantasma que a todos nos persigue y que tratamos de esquivar. Ese ente latente que está en toda nuestra vida y que nunca es aceptado, es para SIMULACRA un cadáver exquisito, es composta y nutrición. Si el error pudiera ser parte de nuestra cotidianidad tendríamos menos neurosis colectiva. El problema que ciertos físicos se han planteado sobre dimensiones alternas, SIMULACRA lo resuelve en su universo, pues en un mismo video encuentra que cohabitan varias dimensiones. Más que artista es cirujano que despedaza para crear, pegando extremidades con flujos y líneas increíbles. Explorador sin brújula, permitiéndose que el destino lo alcance antes de pretender una travesía fútil. En sus imágenes oímos los gritos de algo familiar que ha sido transformado, sacrificado y vuelto a nacer. Por ello SIMULACRA nos redimensiona los espacios y los recrea en el amplio sentido de la palabra. Tensiona los límites de la geometría y nos presenta figuras imperfectas, retando a la veracidad con el error. Si para Panofsky la perspectiva es una forma simbólica para SIMULACRA el error es el eslabón entre la denotación y connotación. Yuxtaposición, contraposición, sentido, sinsentido, codificación y decodificación. Alquimia. A veces arquitecto irreal, a veces científico psicótico. Retuerce a las líneas y las pervierte. Altera el ADN de especies para un animalario fantástico. Muchos vivimos en el error, pocos lo aceptamos y solo unos cuanto hacen algo bueno con ello.


Para seguir la obra de Francisco Zuñiga, pueden acceder a estas cuentas:

 

TUMBLR 1

TUMBLR 2

FLICKR

VIMEO

 

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